La boîte-en-valise de DaniMu

Bienvenid@!

2020-04-02T10:27:00.000-07:00

La boîte-en-valise es la bitácora de Diseño de la estudiante Daniela Murillo Castro.

Los cursos de Diseño se imparten en el bloque común de las carreras de la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Costa Rica. Los primeros tres temas tratados fueron parte del curso de Diseño III (Prof. Rodolfo Rojas-Rocha) y a partir del Dadá es de Diseño IV (Profesores Nicolás Alpizar Valverde y Mauricio Rodriguez Reyes)

En los vínculos a la izquierda encontrará los diversos temas tratados, así como su desarrollo.

Semiosis de Producción

2011-08-29T11:07:00.000-07:00

En este apartado estará todo lo referente al curso de Semosis de Producción, impartido por el profesor Rodolfo Rojas-Rocha.

2009-12-12T19:42:00.001-08:00

2009-12-12T17:53:00.001-08:00

Análisis

2009-11-29T19:50:00.000-08:00

Cambalache es un performance que pretende hacer una crítica de la actualidad desde el pasado. Con un poco de nostalgia, volvemos a ver el San José de antaño para encontrarla diferente. Una San José de la que nuestros abuelos hablan añorándola, en la cual podemos encontrar un lugar seguro para caminar y convivir.

La seguridad que alguna vez se conservaba gracias a un estilo de vida y una cantidad de población diferentes la vemos hoy reemplazada por una paranoia colectiva. Lo que dicen nuestros abuelos tienen algo de cierto: las cosas antes eran diferentes.

Por eso queríamos darle a San José -y en particular a sus habitantes mayores- un poco de aquello que se le ha escapado con el tiempo. A través de la vestimenta, el baile y los gestos, pretendimos hacer regresar a los transeuntes -aunque fuera por unos 10 minutos- a caminar por el pasado, en un tiempo en el que la vestimenta, el baile y el trato poseían una esencia muy diferente a la actual.

En el ensayo, realizamos el performance al frente de la Biblioteca Carlos Monge. Tuvimos el inconveniente de que la grabadora sonaba muy poco, por lo que la letra de la canción Cambalache, que era la que reflejaba verbalmente la intención del performance, no se entendió. De todas formas, la gente disfrutó verlo y varios se integraron al baile.

En San José lo realizamos entre el edificio del Correo -uno de los más valiosamente restaurados de la ciudad- y el del Club Unión -uno de los menos rescatables por lo menos en cuanto a su exterior se refiere-. Escogimos este punto por este contraste y porque es visitado por mucha gente mayor. Al hablar con algunos de los señores, entendieron lo que queríamos transmitir más que todo por la música, lo cual nos alegró mucho.

Para darnos a entender al principio usábamos gestos exagerados, como en las películas mudas, para que la gente entendiera que estábamos conversando y de qué mas o menos estábamos hablando, pues si simplemente hablábamos no se nos iba a entender. También usamos el baile como transmisor del tema, específicamente los ritmos del bolero y el tango.

Como elementos tecnológicos solo utilizamos una grabadora, para poner la música.

Los demás elementos usados para transmitir el tema aparte del baile fue la vestimenta y el maquillaje. La vestimenta era inspirada en la utilizada diariamente en la primera mitad del siglo XX. Las mujeres en vestidos o faldas y los hombres en traje. El maquillaje era de rostro gris, con las facciones resaltadas en negro, como si hubiéramos salido de un retrato fotográfico de esos años.

Planteamiento teórico

2009-11-29T13:12:00.000-08:00

TEMA

Una denuncia a la brecha generacional, representada por la decadencia de la ciudad de San José.

DESCRIPCIÓN

Se representará una escena casual de esquina, cuatro amigos hablando de las eventualidades de sus vidas. En este diálogo predominarán evocaciones a costumbres y lugares existentes aproximadamente en la época de mitad del siglo pasado. Esto se conjugará con música y baile, para atraer la atención del público y de paso, integrarlo a la actividad. Dos de los integrantes estarán disfrazados de hombres, por lo tanto, van a tener cortesías con las damas –prioritariamente mayores- como halagos e invitaciones a bailar. Lo ideal sería que en algún momento se integren más parejas al baile. Con esto, se pretende hacer pasar un buen rato a los transeúntes, por medio de la creación de un ambiente distinto en la calle, y la evocación al baile de aquellas épocas, que tanto contrasta con el de ahora.

JUSTIFICACIÓN

San José –aunque parezca increíble- en algún momento se distinguió por ser una ciudad social y agradable para sus visitantes. Un lugar habitable, en donde llegaba ser muy común la interacción entre la mayoría de sus habitantes. Por lo cual, se acostumbraba a vestir con sus mejores galas. Era un San José verdaderamente posible, no era una ciudad ideal, pero era más sana. Su gente, respetuosa y considerada.

Si la contrastamos con la San José actual, parece verdaderamente una utopía. Actualmente, lo que predomina es la inseguridad, el desorden. Ha dejado de ser un centro social para convertirse en una ciudad de paso, una capital con poco atractivo visual y turístico. Edificios de antaño, con su bella arquitectura, han decaído con el paso del tiempo y han sido reemplazados por edificaciones baratas, con poco atractivo. O peor aún, han sido demolidos para crear espacios como parqueos, desplazando una parte significativa de nuestro patrimonio cultural.

Con este proyecto, no se pretende glorificar el pasado, pues toda época tiene sus virtudes y sus defectos. Sin embargo, es un gesto por recuperar lo bueno de aquellos tiempos y encontrar en ellos la cortesía y el respeto.

2009-11-05T00:19:00.001-08:00

Qué pasaría si en la parada del bus...

2009-11-04T23:22:00.000-08:00

...estuvieran sentados Larry, Moe y Curly?

La intervención urbana no es solamente hacer desorden. La obra no estará encerrada dentro de las cuatro paredes de un Museo, o en la sala del hogar de algún coleccionista. Esta se ubica entre la gente, en su entorno. Es por todo eso que debe tener alguna función más que únicamente hacerse presente en alguna pared para hacerla más bonita. Es meterse en el día de los cientos de personas que pasarán por ese lugar y tendrán alguna clase de reacción.

Usualmente, el día a día de un universitario no es algo que varíe mucho. Aparte de que hay que hacer trabajos diferentes, que la materia cambia o que hay que comprar un libro nuevo, los días de los habitantes de la Rodrigo Facio siempre se ven del mismo color. Por eso, el ver que el entorno cambia, aunque sea un estencil o un sticker puesto en algún lugar, es un cambio de matiz. Ahora, la intervención de un mural entero que, después de todo, la gente odiaba es todo un evento.

La intención de tener a los Tres Chiflados sentados ahí es irrumpir en la monotonía de la vida en San Pedro para sacar una que otra sonrisa o comentario a los transeuntes. Son personajes reconocibles por gente de todas las épocas, pues desde nuestros abuelos hasta nuestros primos menores pueden decir que son geniales.

Ahí, en medio de las carreras y las mojadas, están los Tres Chiflados sentados, metidos en lo suyo y en lo de los demás. Ellos acaban de pintar la pared de blanco, pues ellos querían hacer algo con esa pared. Sin embargo -y a juzgar por sus caras- todavía no se les ocurre que hacer. Mientras tanto, observan a la gente que se les para al frente -o se les arrecuesta- esperando el bus de Coronado. No lo he experimentado por mi misma, pero hay gente que dice que cuando uno está esperando la Peri al otro lado de la calle, parece que Curly los está viendo.

Teoría del campo? Pues el campo muta, se transforma, es abierto. Ya era hora de que el campo Red Bull desapareciera para darle paso a nuestra intervención. Qué decía el campo Red Bull? Que a veces el oportunismo es rey en el arte, no sólo por el hecho de que fuera patrocinado, sino que el grupo que interviniera la pared antes se adueñó del espacio, dando la impresión de que si se tocaba sería un problema. Qué dice nuestro nuevo campo? Precisamente que el campo muta. Además, deja la oportunidad abierta a que se le pierda el miedo a aquella pared tan patrocinada y mal pintada.

Los tres responsables de este proyecto quedamos enamorados. Tanto que ya cada uno nos identificamos con el personaje que nos tocó... por supuesto es fácil suponer que el mío es Curly. Gracias al proyecto nos involucramos con algo que estaba en nuestra lista de hacer antes de patear el balde y nos dio el impulso para querer seguir interviniendo, o mejor dicho, seguir metiéndonos en la vida de los demás sentándole algún personaje detrás de la fila del bus.

Madreselva

2009-10-09T21:58:00.000-07:00

Metodología proyectual

2009-10-09T21:16:00.000-07:00

It don’t mean a thing

Metodología Proyectual

Definición del problema

Buscando una contracultura con la cual me sintiera identificada encontré a los Swing Kids, un grupo contrario a la Juventud de Hitler en la Alemania Nazi. Su distinción era la música, por la cual quería guiar el libro arte. Como tenía que representarse la deconstrucción, quise mostrarla en el contraste entre el comportamiento, vestimenta y música de ambos grupos.

Elementos del problema

El diseño gira en torno a tres elementos:

· Dos acetatos de 78 rpm –los utilizados en la época- cuya etiqueta fue cambiada para que pareciera que tuvieran marchas –en el caso de la Hitlerjugend- o éxitos del swing –en el de los Swing Kids-.

· El estuche, que sería como los que se utilizaban en ese entonces para contener dos acetatos, como una colección. De un lado estaría el de la Hitlerjugend y en el otro el de los Swing Kids. La edición por supuesto sería como la de un estuche de la época, con las canciones que contiene cada LP y tiene además ilustraciones de la vestimenta de ambas agrupaciones.

· Dos pequeños libros en forma circular, adheridos al estuche con una cadena en el lugar en donde se puede ver la etiqueta del LP. Estos contienen elementos de ambas agrupaciones como discursos, lenguaje, gustos y propaganda.

Recopilación de datos

Para guiarme inicialmente en la contracultura, además de leer, vi la película “Swing Kids”, la cual según algunas fuentes no es totalmente fiel a la historia, pero representa muy bien la estética de la época. La vestimenta era muy acertada y en muchas escenas en los fondos se podían ver muchos posters de la época, ambos de Swing o de los Nazi. Investigué muy fuertemente en la edición de los estuches, particularmente de Jazz. Además, busqué muchísimo los manuales ilustrados y la publicidad de los Nazis, que fueron verdaderamente fuertes en la época. Todas estas referencias se pueden ver en http://boite-en-valise.blogspot.com/2009/10/recursos.html

Análisis de datos

Sabiendo como era la estética de la época, decidí como quería conformar el diseño y qué elementos usar. En cuanto a las portadas, me llamó mucho la atención que en casi todas, lo que hay es una fotografía del artista. Como ambos grupos tenían un líder, a raíz de esto decidí poner una fotografía de Hitler por un lado y de Duke Ellington por el otro. Utilizaban colores planos, por lo que decidí conformar el diseño así.

Materiales/Tecnología

1. Dos acetatos de 78 rpm con etiquetas impresas en papel adhesivo

2. Cartón e impresiones en papel opalina con ilustraciones en papel offset y pergamino.

3. Impresiones en papel opalina con cadena color bronce.

Todo el diseño se realizó en Photoshop CS2.

Experimentación/Modelos

Para ver las fotos del proceso constructivo, visite http://www.flickr.com/photos/41899878@N08/

Planteamiento teórico

2009-10-07T23:15:00.000-07:00

It Don’t Mean a Thing

Libro arte sobre Swing Jugend

Tema

El tema a tratar será el de la contracultura de los Swing Kids, un grupo surgido en la Alemania Nazi como protesta ante la opresión sufrida en todos los aspectos de la vida en esa sociedad. El título es “It Don’t Mean a Thing” (No significa nada), haciendo referencia a la canción del mismo nombre compuesta por Duke Ellington, que es aceptada como una de las composiciones más representativas de todo el género del jazz.

What good is music?
If it ain't possessin' something sweet
It ain't the melody, it ain't the music

There's something else that makes the tune complete
It don't mean a thing, if it ain't got that swing
It don't mean a thing all you got to do is sing

Irving Mills

Justificación

Los Swing Kids fue un grupo de jóvenes a los que simplemente les gustaba vivir al ritmo del swing. Vestían, hablaban y bailaban como los entusiastas americanos del swing. ¿Qué tiene esto de contracultural? En la Alemania Nazi esto era algo impensable, pues un adolescente tenía que ser de la Hitler Jugend. Vestir, pensar, hablar, caminar, pelear, correr... vivir como al Reich le gustaba.

Los Swing Kids sólo querían divertirse. Por amor a la música, al arte. Es aquí adonde el arte cobra un sentido y no sólo es "un montón de incomprendidos haciendo chunches". El arte es una voz, no es simplemente algo que se ve bien. Es un relato, una síntesis de sentimientos y experiencias. El arte libera, aún si tratan de atarlo. Si el arte no liberara, si no contara nada, de qué serviría entonces? Ahí si sería un montón de gente haciendo chunches lindos. Si no se tiene una historia, no se tiene arte.

La razón por la que escogí este grupo contracultural es por la manera de rebelarse que tuvieron. Siempre me ha molestado que la gente sea rebelde por negocio o status, que desgraciadamente es la gran mayoría. Muchos de los "revolucionarios" que he conocido me parece que son de la contra simplemente por sentirse superiores, porque te ven sobre el hombro como diciendo "yo hago algo por el mundo y vos no". La contra tiene que tener pasión auténtica y por qué no, un poco de diversión. Porque como dijo Emma Goldman "si no puedo bailar, tu revolución no me interesa".

Descripción

La base del proyecto será la estética de los discos de acetato de swing, puesto a que alrededor de ellos giró mucha polémica, pues lugares enteros eran desmantelados por tener “entartete musik”, o música degenerativa. Será la presentación de una grabación doble, con dos acetatos. Uno de la Hitler Jugend con polkas y marchas y el de la Swing Jugend pues con swing.

El proyecto tiene tres partes básicas de diseño. La primera son los acetatos en sí, a los que les quiero diseñar la etiqueta adhesiva según cada parte. El de la Hitler Jugend irá roto, en representación de lo que hicieron alguna vez con los discos de swing. La segunda es el estuche en el que irán los acetatos, que cada lado llevará un diseño siguiendo la estética de la época. Cada uno tendrá un orificio para poder ver las etiquetas de los acetatos. Será un collage manual. El tercer elemento es un pequeño libro circular que irá en ese orificio, de cada lado. Ambos mostrarán los códigos de comportamiento que ambos grupos tenían, para mostrar el contraste.

Materiales

Acetatos de 78 rpm, cartón, papel pergamino y opalina, fotografías y papeles de colores.

Contracultura

2009-10-07T23:09:00.000-07:00

El término contracultura se aplica a un grupo de personas que escogen llevar un modo de vida contrario al percibido como “normal” por la sociedad. Las agrupaciones contraculturales no necesariamente se manifiestan políticamente, pero en muchas ocasiones estas nacen a raíz de un descontento con el sistema.

Las distinciones de los grupos contraculturales se reconocen inmediatamente en su modo de vida, el cual refleja sus ideales. Utilizan signos propios, que se pueden admirar en su manera de vestir, de comportarse y de hablar, en sus costumbres, en lo que consumen, etc. En su mayoría surgen en círculos con alto poder adquisitivo, pues son los que tienen más acceso a la información y a la educación. Además, bien que mal, el llevar un modo de vida paralelo al establecido tiene su precio monetario.

En resumen, una contracultura es un grupo que identifica el absurdo en una sociedad conformista. Una sociedad que hasta cierto punto acepta un número de eventos como “normales” que en realidad no deberían serlo. Estas agrupaciones se comportan en contra de ese absurdo, muchas veces despertando la evolución del pensamiento social.

Swingjugend

El swing es una variación del jazz que llega a su madurez en los años 30, llegando a los oídos del mundo e implementando más que un estilo de moda, un estilo de vida. La Alemania Nazi no estuvo exenta de este fenómeno.

En cualquier otra sociedad, el que un joven fuera un entusiasta del swing no habrá sido problema alguno. Pero en la Alemania Nazi, la música extranjera era mal vista. El swing tenía desventajas particulares, pues sus intérpretes y directores de orquesta más famosos eran judíos y negros.

En una sociedad en la que absolutamente todo era regulado por las autoridades, apareció un grupo de jóvenes que no se contentaban con llenar el perfil del joven alemán ejemplar. En lugar de unirse a la Hitlerjugend (Juventud de Hitler), que era lo que se esperaba de cualquier menor, ellos formaron su propia juventud: la Swingjugend. En lugar de usar los cortos pantaloncillos y las insignias rojiblancas, de asistir a los reformadores entrenamientos y de reportar hasta sus amigos por actividades “irregulares” –actividades dignas de un miembro de la Hitlerjugend—los swing llevaban un estilo de vida alejado de cualquier entusiasmo hacia el Partido Nazi.

Los swing no veían este estilo de música sólo como un pasatiempo, para ellos era un estilo de vida. Los hombres vestían con ropas holgadas, grandes sacos y pantalones al estilo americano y usaban el pelo largo y engominado. Las mujeres usaban enaguas o vestidos, los cuales desafiaban la propuesta del gobierno de usar materiales económicos, pues entre más caros y exclusivos fueran, mejor. Se maquillaban en exceso, retando la idea de que el maquillaje era un artificio judío. Usaban peinados poco tradicionales, así como objetos poco comunes como los filtros largos para los cigarros. En general, las mujeres alababan la moda, cosa que era mal vista en la sociedad Nazi, puesto a que era sinónimo de fomentar el deseo sexual. Toda la ropa y accesorios eran difíciles de encontrar, en este sentido mediaba o el dinero o la creatividad.

La música era muy limitada, pues poco a poco fueron restringiendo la música jazz en general, compositor por compositor. Los discos se tenían que comprar en el mercado negro o se tenía que buscar la señal de emisoras como la BBC para tener acceso a la música. La danza también era muy diferente, pues si conseguir discos era difícil, encontrar recursos visuales lo era todavía más. Al ser esta tan desordenada y lujuriosa, iba por supuesto en contra de todo lo conocido por los Nazis y por lo tanto era ampliamente repudiada.

El uso de términos ingleses en su vocabulario era algo muy común. Entre más inglés usaran en público era mejor, e inclusive se daban apodos en este idioma. También usaban frases judías. Todo esto no sólo para identificarse como grupo, sino también para molestar a los demás. A veces simplemente en media calle, a viva voz, podían decir que “nadie tocaba el jazz tan kosher como Benny Goodman”.

La burla de este grupo hacia la Hitlerjugend era muy amplia. A veces tomaban las melodías del swing e inventaban letras haciendo mofa de los eventos de actualidad. Su saludo era “Swing heil”, parodiando al “Sieg heil” de los Nazis. Inclusive tenían un paso de baile imitando el gesto que acompañaba la frase, que era extendiendo el brazo, pero a cambio de mantener la mano extendida, formaban una V con sus dedos como el signo de victoria de Churchill. Todo esto para mostrar el repudio ante esta organización, que lo único que hacía era encarcelar a los jóvenes en un régimen limitante.

El swing era un enorme paquete de elementos. Los jóvenes entusiastas no sólo veían el swing como una manera de revelarse, sino como una promesa de libertad. Veían hacia los Estados Unidos de las películas y veían un mundo de abundancia, de libertad de expresión. Para ellos esa democracia era el swing. Aunque sus pretensiones iniciales no eran políticas, por tantos retos contra la autoridad terminaron siendo enemigos políticos de los Nazis. Muchos fueron enviados a campos de trabajo juvenil, en donde seguían cantando sus canciones y formando bandas improvisadas, hasta que fueron luego recluidos a campos de concentración en donde algunos murieron por las duras jornadas de trabajo.

La Swingjugend no habría sido una contracultura en otra sociedad, sin embargo, ellos hallaron absurdo el no poder escoger un estilo más que el establecido y terminaron siendo un grupo problemático para la sociedad de aquel entonces. Su única falta fue querer bailar y ser felices como la gente que veían en las películas. El juego de provocar a las autoridades pasó a ser una lucha por la búsqueda de la libertad de expresión, cosa que la Alemania Nazi –la que prometía ser la mejor—nunca les daría. Si no podían bailar, la promesa de una sociedad perfecta de nada les servía.

Bibliografía

· Revista Opción, Abril, 2008

http://www.revistaopcion.com/web/2008/04/01/tribus-urbanas-la-contracultura/

· Swingstyle Syndicate, Enero, 2008

http://return2style.de/amiswhei.htm

· ORT, Marzo, 2008

http://holocaustmusic.ort.org/politics-and-propaganda/third-reich/swing-kids-behind-barbed-wire

Recursos

2009-10-05T23:19:00.000-07:00

Music and the Holocaust: Swing Kids Behind Barbed Wire
Información bastante exacta sobre los Swing Kids.

Vintage Vanguard
Recurso ENORME de portadas de jazz ♥

Swing Fashionista
Uno de los mejores blogs que he encontrado! Un estudio de la moda del swing en la actualidad.

Record making with Duke Ellington
Cómo se hacían los vinilos de 78 rpm con nada más y nada menos que Duke Ellington, uno de los mayores representantes del swing! ♥

German Swing Youth
La autoridad en cuanto a Swing Kids se refiere.

1940 Organisationbuch
Imágenes de un libro original de la Organización Nazi.

Escena de la película Swing Kids. Se puede ver varios elementos de la estética de la época.

Y a Christian Bale, en especial.
El amor de mi vida (bueno, entre otros).

Derribando conceptos y levantando paredes...

2009-09-03T18:11:00.000-07:00

Pasaron los años y mil desengaños
yo vengo a contarte, mi vieja pared...
Madreselva - Letra de Luis César Amadori

Después de tomar la valiente decisión de echar a Happy (la animación de la que tenía hasta un storyboard armado) al baúl de los proyectos pendientes, en plena clase se me ocurrió que mi autorretrato conceptual había estado en frente de mis narices. Literalmente.

En mi pequeñitito "atelier", al frente de la mesa en la que trabajo tengo un mural de chunches la cual tiene una curiosa historia. Empezó en setiembre del año pasado después de regresar de Buenos Aires. En pleno viaje, después de ir a muchas tiendas de antigüedades (♥!), recargadas de chunches hasta arriba en las paredes, me puse a comprar partituras viejas y acetatos. Luego, fui a un restaurante que estaba al lado del hotel en donde estaba que se llama La Clac. En La Clac las paredes están forradas de revistas, partituras, volantes, posters, chunches, chunches y chunches muy viejos. Entonces decidí que quería el estilo La Clac en mi cuarto.

Tiendita de antigüedades en el mercado de San Telmo

La Clac

¿Por qué? Porque soy una persona apegada al pasado. Me gusta todo lo viejo (de hecho la profesión de mis sueños es ser dealer de antigüedades, pero eso es otro asunto) y por lo general me gusta recordar. La visita a Buenos Aires marcó mi vida talvez más que a cualquier otro visitante, por razones personales y muy tangosas.

Cada papelito tiene un significado muy profundo, y a los recolectados por Buenos Aires se le sumaron posters de espectáculos, entradas, lecturas, etc. De ser una pared de memorias de un viaje, se convirtió en una pared de recuerdos, en un reflejo de quien soy.

Ahora mi propuesta se transformó en un video. Un video de mí pegando en esa misma pared, otras cosas memorables (porque aunque parezca increible, tengo más cosas que pegar) y fechas importantes en las que pasaron cosas que afectaron mi vida directa o indirectamente, profunda o banalmente. Las fechas no solo serán de cosas que me han pasado a mí, sino de gente con la que me he... obsesionado, si vale el término, y que marcan mi personalidad. Por ejemplo, la fecha de la muerte de Gardel, del estreno de la opereta María de Buenos Aires o de la película Modern Times.

El fondo musical será el de una radio cambiando de estación entre canciones que me identifican. Esto para acompañar lo evocativo de la acción y representando también mi amor desmesurado a la música.

Resumiendo los conceptos:

-La pared y las fechas personales representarán mi parte melancólica, la que siempre evoca al pasado y la que ha marcado mis gustos y mi personalidad.
-El fondo musical y las fechas de personajes célebres representarán mi parte "fetichista" -si vale otra vez el término- que también es mi característica distintiva.

Pensando en mí... de nuevo

2009-08-27T16:45:00.000-07:00

Entre el primer proyecto de diseño (que fue un autorretrato), el primer proyecto de dibujo (que es un autorretrato) y el segundo proyecto de diseño (que es un autorretrato), creo que este semestre voy a terminar conociéndome muy bien.

Este es el día uno de mi autorretrato conceptual.

Siendo una persona que se emociona fácilmente (si no pregúntele a cualquier compañero...), tengo muchas aficiones por personas, música, estilos y muchas otras cosas que me definen como persona. Son pequeños espejos en donde veo un poco de mi realidad (o bien de una realidad que quisiera construir). Tengo que hacer una lista de elementos que quiero incluir. Talvez la forme con ayuda de otra gente, pues a veces hay cosas que por más simples que sean, evocan la imagen de uno en los demás.

Tenía la idea de hacer un video, pero no sabía de qué forma. Quería que fuera como un día en mi vida, con los elementos apareciendo entre lo cotidiano. Video no me hizo gracia, stop motion tampoco, pues no quería que fuera la imagen tan clara. Se me ocurría más una animación, pero me parecía una idea descabellada. Entre pensamiento y pensamiento, me cayó a la mente algo que vi en una charla sobre las bases de la animación hace tiempo: un film que se dice ser la primera animación de la historia -Fantasmagorie, de Emile Cohl-

Por la maravilla de YouTube, aquí lo tenemos:

Bellísimo, no? Me encanta la estética de las películas mudas y este tipo de animación me pareció más realizable. Es un trabajo enorme, pero aún así es posible. Encontré otro corto que talvez me ayude más con el propósito del guión del corto, se llama The Hasher's Delirium y es del mismo autor.

Ahí termina mi día uno. Ahora lo que sigue es hacer la lista de elementos que voy a incluir, hacer una síntesis de las formas como lo hiciera Cohl y empezar a trabajar!

La vie en Rrose

2009-08-27T00:16:00.000-07:00

Imágenes:

http://www.flickr.com/photos/41899878@N08/
Dhanimu @ Flickr

Investigación escrita:

http://rapidshare.com/files/272046645/La_vie_en_Rrose_Daniela_Murillo.pdf.html

Conclusion informelle

2009-08-27T00:04:00.000-07:00

Después de haber finalizado el enorme archivo de word con toda la información... que por cierto podrán bajar en otro post, vengo a dar una corta conclusión informal.

De Duchamp no se termina de saber. Cada día, a medida que iba avanzando el trabajo le descubría nuevos sentidos, tantos que hasta me cuesta organizarlos.

Hice un descubrimiento bastante impactante hace poco, justo terminando la investigación.

Marcel Duchamp, RROSE SÉLAVY in the "Exposition Internationale du Surréalisme," Paris, 1938 (female mannequin half dressed in Duchamp's clothing)

Creo que no hace falta que haga ningún comentario. De Duchamp nunca se termina de conocer. Y eso no sé si es bueno o malo la noche justo antes de la entrega.

En cuanto a la técnica, tuve un chasco terrible. Un horror de principiante. No habiendo manejado nunca un tamaño de impresión más grande que doble carta, un 45x30 era algo nuevo para mí. El plotter de La Mini... malo. No teniendo tiempo Cata y yo nos fuimos a Geocad y... diay, 5000 pesos por dos impresiones en bond horribles, con el contraste todo jodido y onduladitas por la humedad. Llegué a la casa, las ví, berrié a más no poder y mañana tendré que correr a riesgo de llegar horriblemente tarde a Guilá a ver si su santo plotter me puede salvar. Porque no se me había ocurrido Guilá. Me siento demasiado principiante, y eso no reconforta para nada.

Espero que todo tenga un final felíz.

Prueba #1

2009-08-19T20:47:00.000-07:00

Subo muy rápidamente la primera prueba que hice con el retrato dos (Rrose Sélavy como Marcel Duchamp).

La tomé muy mal tomada en mi cuarto, era una primera prueba para ver qué salía...

Y la edición por supuesto está MUY inacabada, pero nada más quería intentar algo que estaba pensando hacer con el autorretrato...

Y nadie se dio cuenta que me falta el meñique verdad?

Planteamiento teórico

2009-08-16T23:41:00.000-07:00

Resemantización

Obra : Rrose Sélavy

Autor : Man Ray

Técnica : Fotografía

Año: 1921

Título: La vie en Rrose

Descripción:

Una fotografía nos puede mostrar a la persona tal y cómo es o bien en lo que es capaz de convertirse. Y todo esto no sólo para crear un impacto visual, sino para mostrar infinidad de conceptos.

Con estas herramientas, es posible demostrar la dualidad de una sola persona. Lo bueno, lo malo; lo oscuro, lo claro. En este caso, lo representado será la dualidad entre lo femenino y lo masculino, tan presente no sólo en Rrose Sélavy (que aunque sabemos que es un personaje femenino, podemos entre el maquillaje y el vestuario encontrar el perfil masculino de Duchamp), sino en toda su obra.

Ambos elementos del trabajo serán autorretratos. El primero me tendrá representando a Rrose Sélavy en la parte femenina, un poco en burla a la similitud que encontraron algunas personas entre ella y yo. Será una típica fotografía de moda, ya que Man Ray era fotógrafo de distinguidas revistas de moda. El segundo me tendrá en la parte masculina vestida de Marcel Duchamp. Esta parodiará a la fotografía mostrada anteriormente.

Justificación:

Escoger a Rrose Sélavy puede parecer común. Es más, escoger a Duchamp para un proyecto de Dadá es todavía más esperable. Cliché, casi. Porque aunque ame a Duchamp, me causa un poco de incomodidad el hecho de que la conexión entre Dadá y Duchamp sea tan inmediata que la gente se olvide de otras grandes figuras, inclusive de sus iniciadores.

Pero era inevitable. Tan inevitable como haber sentido lo que sentí cuando vi a Rrose Sélavy por primera vez en el curso de Teoría del arte.

Fue en el curso de verano, cuando llevé Teoría del arte e Introducción a la historia del arte I, que descubrí el Dadá y desde entonces me enamoré del movimiento. Porque dejaron hablar a muchos elementos del arte que antes las instituciones silenciaban. Fue descubrir nuevos idiomas, nuevos métodos, nuevos horizontes. Algo diferente en este mundo en donde el estandar es la norma.

Suena a historia de telenovela rosa, lo sé. Duchamp siempre me había parecido un personaje curioso, pero al verlo como Rrose Sélavy causó ese tonto "je ne sais quoi" que causa el arte a veces. Y yo sé que debería saber qué es lo que me atrae tanto a este personaje, pero como en el Dadá, a veces las sensaciones no necesitan explicaciones. Simplemente son.

Entonces fue cuando empezé a investigar por pasatiempo sobre el Dadá, y por alguna razón en el movimiento y particularmente en Duchamp encontré un poquito de mí. Aunque esto sea un tema que trataré en el segundo proyecto, debo explicarlo en función de dar a entender una de las razones de este proyecto. En resumidas cuentas, yo pienso que cada uno de nosotros es un rostro reflejado en muchos espejos. Estos espejos son gentes con las que nos identificamos, y al vernos en ellos sabemos un poco más de cómo somos o por lo menos de cómo desearíamos ser.

En ese entonces también, como dije en clase, la gente empezó a pensar que esa pequeña fotografía de una mujer con un sombrero negro y un abrigo de plumas que tenía en el avatar del messenger era yo, lo que hizo que me identificara todavía más con Rrose.

Es por esto que no tuve otro camino que escoger a Rrose Sélavy como punto de partida para mi proyecto, porque en él-la veo un poco de mí misma.

Además, hay una curiosidad. Mis iniciales al revés son las iniciales de Marcel Duchamp. He de confesar que más de una vez he firmado Duchamp Marcel. Al fin y al cabo, ¿quién lo va a notar?

Técnica: Fotografía

Fuentes de investigación

2009-08-13T15:56:00.000-07:00

En internet talvez en un principio cueste encontrar información sobre movimientos del arte que se aleje de lo básico. Sin embargo, del Dadá existen archivos muy útiles.

No he visto algo más útil para entender las bases del Dadá que este video:

The ABC of Dada - Part 1
Un video Dadá explicando el Dadá!

Y existen pocos videos con los que me identifique tanto como con este:

Dada a Short Film by B.C. Jones.
Excelente!! Fíjense en los detalles, hay Duchamp por todos lados, por todos!

Tout-Fait
Ensayos sobre la obra de Marcel Duchamp en varios idiomas. Emocionantemente completo!

The International Dada Archive
Archivo multimedia de la Universidad de Iowa. Hay muchísima información que no creo que se consiga en otra parte.

Understanding Duchamp
Multimedia explicando la obra de Duchamp, muy entretenido!

World Community of Marcel Duchamp
Pues eso.

Duchamp est Sélavy est Dhanimu, c'est moi et lui et tout parmi

2009-08-13T15:20:00.000-07:00

Creo que esto puede funcionar como una justificación...

Escoger a Rrose Sélavy puede parecer común. Es más, escoger a Duchamp para un proyecto de Dadá es todavía más esperable. Cliché, casi. Porque aunque ame a Duchamp, me causa un poco de incomodidad el hecho de que la conexión entre Dadá y Duchamp sea tan inmediata que la gente se olvide de otras grandes figuras, inclusive de sus iniciadores.

Pero era inevitable. Tan inevitable como haber sentido lo que sentí cuando vi a Rrose Sélavy por primera vez en el curso de Teoría del arte.

Fue en el curso de verano, cuando llevé Teoría del arte e Introducción a la historia del arte I, que descubrí el Dadá y desde entonces me enamoré del movimiento. Porque dejaron hablar a muchos elementos del arte que antes las instituciones silenciaban. Fue descubrir nuevos idiomas, nuevos métodos, nuevos horizontes. Algo diferente en este mundo en donde el estandar es la norma.

Suena a historia de telenovela rosa, lo sé. Duchamp siempre me había parecido un personaje curioso, pero al verlo como Rrose Sélavy causó ese tonto "je ne sais quoi" que causa el arte a veces. Y yo sé que debería saber qué es lo que me atrae tanto a este personaje, pero como en el Dadá, a veces las sensaciones no necesitan explicaciones. Simplemente son.

Entonces fue cuando empezé a investigar por pasatiempo sobre el Dadá, y por alguna razón en el movimiento y particularmente en Duchamp encontré un poquito de mí. Aunque esto sea un tema que trataré en el segundo proyecto, debo explicarlo en función de dar a entender una de las razones de este proyecto. En resumidas cuentas, yo pienso que cada uno de nosotros es un rostro reflejado en muchos espejos. Estos espejos son gentes con las que nos identificamos, y al vernos en ellos sabemos un poco más de cómo somos o por lo menos de cómo desearíamos ser.

En ese entonces también, como dije en clase, la gente empezó a pensar que esa pequeña fotografía de una mujer con un sombrero negro y un abrigo de plumas que tenía en el avatar del messenger era yo, lo que hizo que me identificara todavía más con Rrose.

Es por esto que no tuve otro camino que escoger a Rrose Sélavy como punto de partida para mi proyecto, porque en él-la veo un poco de mí misma.

300% Spanish Design

2009-06-14T15:22:00.000-07:00

EN COLABORACIÓN CON VARIAS INSTITUCIONES TANTO ESPAÑOLAS COMO COSTARRICENSES, LLEGA A NOSOTROS “300% SPANISH DESIGN”, UNA IMPORTANTE RECOPILACIÓN DE LO MEJOR DEL DISEÑO ESPAÑOL EN ÁREAS TAN DIVERSAS COMO LA PUBLICIDAD, EL MOVILIARIO, EL OBJETO UTILITARIO, ENTRE OTROS. ES UN ENORME INTENTO DE PROYECTAR AL EXTERIOR LOS VALORES DEL DISEÑO DE ESTE PAÍS, EL CUAL MUESTRA UNA CALIDAD ADMIRABLE.

AUNQUE SE ALEGA QUE EL DISEÑO ESPAÑOL NO HA RECIBIDO LA ATENCIÓN QUE AMERITA, BIEN PODEMOS RECONOCER A GRANDES RAZGOS LA PRESENCIA DE ARTISTAS BIEN RECONOCIDOS DENTRO DE LA HISTORIA DEL ARTE, COMO LO SON SALVADOR DALÍ, JOAN MIRÓ, ANTONI GAUDÍ Y PABLO PICASSO. ASÍ TAMBIÉN COMO RECONOCEMOS DENTRO DE LO EXPUESTO ALGUNOS DISEÑOS QUE TALVEZ MUCHOS YA HAYAMOS VISTO CON ANTERIORIDAD, SALTAN COMO EJEMPLOS EL CARTEL DE LA PELÍCULA “TACONES LEJANOS” DE PEDRO ALMODOVAR, DISEÑADO POR JUAN GATTI. CON ESTO QUIERO DECIR QUE ESPAÑA NO HA PASADO DEL TODO INADVERTIDA DENTRO DEL RECONOCIMIENTO MUNDIAL, NO ES DE EXTRAÑARSE QUE CUALQUIER PERSONA HAYA ESCUCHADO SOBRE ALGUNA DE LAS FIGURAS ANTES CITADAS. TAMPOCO CON ESTO QUIERO SOLAPAR EL ESFUERZO DE LA EXPOSICIÓN DE MOSTRARNOS VALORES UN TANTO DESCONOCIDOS, ASÍ COMO TAMBIÉN PONERNOS CERCA DE ALGUNAS OBRAS DE TAN MENCIONADOS ARTISTAS. AL CONTRARIO, LOS SONADOS NOMBRES COMPARTEN ESPACIO CON ALGUNOS CASI DESCONOCIDOS QUE SIN EMBARGO ATRAEN DEL MISMO MODO NUESTRA ATENCIÓN.

EL OBJETIVO DE LA EXPOSICIÓN NO SÓLO SE RESUME EN ACERCARNOS A NUEVOS VALORES DEL DISEÑO. ES MÁS BIEN UN VIAJE A TRAVÉS DE UNA AMPLÍSIMA GAMA DE ÉPOCAS Y ESTILOS, DE OBJETIVOS Y FUNCIONES. TODO ESTO NOS HACE NOTAR NO SOLO LA INFINIDAD DE LAS POSIBILIDADES EN EL DISEÑO, SINO LA CALIDAD Y TAMBIÉN LA ACTUALIDAD DEL DISEÑO ESPAÑOL.
LA EXPOSICIÓN INICIA EN LO QUE SE HA DENOMINADO COMO “LA SALA DE ESTAR”. ES UNA MUESTRA INICIAL DE UNA GAMA MUCHO MÁS AMPLIA DE LA QUE SE MUESTRA EN EL RESTO DE LA EXPOSICIÓN. JUEGOS DE TÉ, DESCORCHADORES, COLONIAS, EL DISEÑO ESPAÑOL ESTÁ POR TODAS PARTES.

EN SEGUIDA, LA EXPOSICIÓN ABREVIA SUS HORIZONTES Y ENTRAMOS A LA PARTE DE LAS SILLAS. CIEN SILLAS DE LOS MÁS DIVERSOS MATERIALES, ÉPOCAS Y ESTILOS. CADA UNA CON UN CONCEPTO DETRÁS, ALGUNAS DISEÑADAS PARA EL CONFORT, OTRAS SIMPLEMENTE PARA MIRAR. LOS HAY ESCANDALOSOS, COMO EL DE “CUL IS COOL”, DE RAMÓN ÚBEDA Y OTTO CANALDA, UN TABURETE QUE EMULA NALGAS Y MIEMBRO DE HOMBRE. LOS HAY CASI LÚDICOS, COMO “T-VISTO” DE MNT DESIGN, UNA SILLA “VESTIDA” DE LANA, CON LA MADEJA INCLUIDA, O “PUSSYLAWN” DE LUIS ESLAVA, UNA SILLA QUE RECLAMA MANTENIMIENTO, PUES ESTÁ HECHA DE PASTO. SILLAS CON ESPEJOS, PARA SENTAR LIBROS, CON ZAPATOS DE MICKEY MOUSE O CON TACONES, AMISTOSAS, RESERVADAS, TRADICIONALES. CADA SILLA CON UN OBJETIVO Y HASTA CON SU PROPIA PERSONALIDAD E HISTORIA, ESTO ES PRECISAMENTE LO QUE LA AMPLITUD DEL DISEÑO PUEDE REFLEJAR.

EN LOS CARTELES ES DONDE PODEMOS MIRAR MEJOR LA DIFERENCIA CRONOLÓGICA DE LOS ESTILOS. EMPEZANDO POR CARTELES QUE EVOCAN AL ART NOUVEAU, PASANDO POR ART DECO, EL POSTER STYLE, ASÍ COMO LA INFLUENCIA DE LA APARICIÓN DEL OFFSET Y DEL DISEÑO DIGITAL. PODEMOS LEER EN EL CARTEL ESPAÑOL TANTO LA INFLUENCIA EXTERNA, COMO PODEMOS LEER A TOULOUSE-LAUTREC, MUCHA, CAPPIELLO O BERNHARD. IGUALMENTE COMO SE PUEDE LEER LA INFLUENCIA EXTERNA, VEMOS SIGNOS CLARAMENTE ESPAÑOLES, COMO LOS CARTELES TURÍSTICOS, DE FIESTAS Y FERIAS REGIONALES. NO SOLO ES IMPRESIONANTE EL CONTRASTE MARCADO ENTRE LOS ESTILOS, SINO TAMBIÉN LA DIFERENCIA DEL TRATAMIENTO DE LOS TEMAS A TRAVÉS DEL TIEMPO, ASÍ COMO SU VARIACIÓN. AUNQUE ALGUNOS SE MANTIENEN, COMO LAS FERIAS, LAS MARCAS DE PRODUCTOS Y EL TURISMO, APARECE LUEGO EL CINE (CON CARTELES COMO LOS DE LAS PRODUCCIONES DE ALMODOVAR Y BUÑUEL, POR CITAR POCOS EJEMPLOS) Y LAS FERIAS DE DISEÑO, YA NO TANTO REGIONALES. LA PARTE BIDIMENSIONAL DE LA EXPOSICIÓN NOS MUESTRA MÁS QUE EN OTRO MOMENTO CÓMO ESPAÑA HA ESTADO ABIERTA DESDE SIEMPRE A LO QUE DICTAN LAS CORRIENTES DEL DISEÑO MUNDIAL SIN NECESARIAMENTE MENGUAR SU IDENTIDAD.

POR ÚLTIMO, DEJAMOS EL COLOR Y LA LUZ ATRÁS PARA ADENTRARNOS EN UNA SALA
OSCURA Y DEJAR QUE LAS LÁMPARAS SE MUESTREN PROPIAMENTE. AL IGUAL QUE CON LAS SILLAS Y A DIFERENCIA DE LOS CARTELES, NO HAY UNA ABISMAL DIFERENCIA ENTRE LAS TENDENCIAS QUE MARQUE LAS ÉPOCAS Y LAS INFLUENCIAS, LO QUE NO QUIERE DECIR QUE NO HAYA ABUNDANCIA DE ESTILOS. ES FASCINANTE VER CÓMO PARA UNA FUNCIÓN TAN SIMPLE COMO ILUMINAR PUEDAN EXISTIR TANTAS SOLUCIONES, TANTAS QUE SE MEZCLAN CON LO DECORATIVO O BIEN CON OTRAS FUNCIONES. LA DIVERSIDAD DE MATERIALES RESALTA EN ESTE RECINTO DE LA EXPOSICIÓN, ESTÁN PRESENTES DESDE LOS MÁS TRADICIONALES COMO MADERA, PLÁSTICO, METAL Y VIDRIO HASTA LOS MÁS EXTRAÑOS COMO LAPICEROS, SAL, AGUA, CANICAS Y DEMÁS.

SIN TEMOR A EQUIVOCARSE, SE PODRÍA DECIR QUE 300% SPANISH DESIGN ESTÁ ENTRE LAS EXPOSICIONES MÁS IMPORTANTES DEL AÑO, SI NO ES QUE LA MÁS IMPORTANTE POR LO MENOS EN LO QUE RESPECTA AL MUSEO DE ARTE Y DISEÑO CONTEMPORÁNEO. BIEN ESTRUCTURADA, CON UN AMBIENTE APTO PARA CONTEMPLAR CADA UNA DE LAS OBRAS SEGÚN ESTAS LO EXIJAN, CON UNA GRAN VARIEDAD DE ATRACTIVOS, TANTO QUE NO SE QUEDA SATISFECHO CON UNA SOLA VISITA. ES UNA EXPOSICIÓN DIFÍCIL DE DIGERIR, NO SOLO POR LA CANTIDAD DE OBRAS QUE DE POR SÍ ES EXTENSA, SINO POR LA DIVERSIDAD DE LAS FORMAS Y LOS ATRACTIVOS. NO VEO ESTO COMO UN RASGO NEGATIVO, AL CONTRARIO, ES APASIONANTE ENCONTRARSE CON GANAS DE QUEDARSE UN RATO MÁS, DIGIRIENDO CADA OBJETO CON EL TIEMPO QUE SE MERECE Y APRECIANDO LOS DETALLES. CON UNA EXPOSICIÓN TAN BIEN REALIZADA NO QUEDA DUDA DE QUE EL DISEÑO ESPAÑOL TIENE MUCHO QUE MOSTRAR, NO SOLO ENTRE LOS LÍMITES DE ESTA MUESTRA SINO FUERA DE LOS ÁMBITOS DEL MUSEO, EN LAS SOLUCIONES DIARIAS QUE LOS CREATIVOS ESTÁN LOGRANDO. DESPUÉS DE OBSERVAR, SÓLO QUEDAN GANAS DE SEGUIR CONOCIENDO Y PORQUÉ NO, DE VOLVER A OBSERVAR UNA VEZ MÁS LA EXPOSICIÓN.

Norberto Chaves: Sobre el Arte y el Diseño

2009-04-16T13:26:00.000-07:00

Conversatorio sobre el arte

Norberto Chaves, uno de los mayores teóricos del diseño en la actualidad, realizó en la Escuela de Artes Plásticas un conversatorio sobre el arte, enfocado hacia los estudiantes de Historia del Arte, pero de interés para las personas de cualquier otro campo. Su elocuencia y dinamismo hicieron de no solo de este conversatorio, sino de la charla de la cual se hablará más adelante, un tiempo de valiosísima reflexión sobre la situación del trabajo que realizan las personas que integran la comunidad artística y del diseño. Más ampliamente, fue casi una orientación en la difícil labor de encontrarnos en un contexto que ha roto la posibilidad de establecer una definición.

En esta charla, una palabra clave fue “cultura”. Según Chaves, la cultura es comunicación. Es un umbral que se abre para transmitir al público una serie de ideas, las cuales logran influir en la identidad de los pueblos. Es un concepto totalmente arraigado a un determinado tiempo, lugar y a su gente. Por supuesto, al ser estas sus condiciones, ha cambiado.

Desde este punto de vista, analiza la situación de la cultura hoy, pero antes llevándonos a la percepción de este concepto en épocas anteriores. En la historia del arte podemos encontrar múltiples ejemplos de artistas al servicio de la corona, la burguesía o la Iglesia. La cultura era un símbolo de diferenciación, era poder. Al aparecer el capitalismo, el poder se traslada a otras esferas y por lo tanto, cambia la sociedad. En medio del cambio, la cultura queda rezagada por el atropello sufrido en manos del progreso.

Llegamos al contexto del Siglo XX, “problemático y febril”. Y muy bien hizo él al referirse al tango “Cambalache”, pues este período no es más que esto. Un vaivén de viejos y nuevos conceptos, todos mezclados a favor del caos. Ante los horrores de las guerras mundiales y de una identidad confusa, la cultura y el arte se cuestionan a sí mismos. Si bien se producen muchos movimientos de ruptura y transgresión, estos son conceptos que vienen desde antes del período. Sin embargo y como ya se citó antes, el arte se desplaza de su papel de manifestación del poder. Esto es lo que marca la raya divisoria entre el “cambalache” del Siglo XX y las épocas anteriores.

Se ha dictado la regla del consumo. Como buena noticia, el artista ya no tendrá al mecenas encima de él, restringiendo la subjetividad. El artista se vuelve el compositor de sus propias obras. Como mala noticia, “la cultura es lo contrario al consumo”, como bien dijo Chaves. Porque la cultura reconstruye al sujeto, a ese sujeto que, citando de nuevo lo bien dicho, solamente “devora y caga”. Ya el arte no se necesita para la dominación. Entonces, ¿para qué se necesita?
Primero hay que empezar por aceptar al arte en el lugar que lo han puesto. Si este, dentro del modelo actual, se ha bajado de su megalomanía, ¿adonde se le ubica? Hay muchas preguntas que responder, pero toda pregunta tiene la bondad de la diversidad. Talvez en este fenómeno cada creador pueda encontrar, con sus respuestas, su definición dentro de la “desdefinición” característica de nuestra época.

Aunque el concepto de “desdefinición” suene negativo en un principio, se le pueden hallar sus aspectos positivos. Al abrirse los límites del arte, al haberse cuestionado a sí mismo, este se vuelve horizontal. Ya no es ese fetiche intocable y bendito, de incuestionable y único significado. “El arte ya no es una cosa, es una experiencia”. El público siente con el artista, desmenuza la obra con los sentidos, la vive. Se destruyen los pedestales del artista como genio, de la obra como manifestación divina, del arte como cosa inalcanzable, incomprendida. ¿Y qué queda tras todo esto? Las respuestas que cada uno demos a las preguntas que se originan a partir de la “desdefinición”.

Pese a lo dicho anteriormente, es común que el arte se siga subiendo en pedestales. Ya por algunos artistas, que nunca supieron que las musas pasaron de moda. Ya por una gran mayoría del público, temeroso a que tras la frase “(inserte nombre de artista) no me gusta para nada” le lluevan piedras. Ya por el mercado, que sigue traficando el arte como si fuese una cosa. En resumen, por el vestigio de los mitos del pasado que siguen acechando en el “cambalache” intelectual del arte.
Ante esto, ¿cuál es la salida posible? Ser terrorista en contra del sistema del consumismo (que como ya sabemos, es el enemigo de la cultura). Porque como dijo con toda razón el Sr. Chaves, “si se es culto, se es autosuficiente, y si se es autosuficiente, se es terrorista”. Cada uno, como público o como creador, será responsable de la manera en la que quiera ser terrorista.

Diseño, ¿arte?

Ya dentro del marco de la Cátedra Francisco Amighetti, el tema de la charla fue la “famosa pregunta” de ¿el diseño, es arte?, la cual Don Norberto denominó una “enfermedad sin cura”. El eje de la charla está en la respuesta que diera un amigo de este: “no, es diseño”.

Pero, ¿por qué el diseño es diseño y no arte? Parece una pregunta de obvia respuesta, pero no en vano esta situación fue llamada una “enfermedad sin cura”. Talvez los mayores culpables sean los diseñadores, empecinados en la idea de que, al utilizar procedimientos artísticos para su trabajo (claramente comercial), su diseño pasa a ser arte.

Aunque resulte extraño dentro de la ya conocida “desdefinición” darle una definición al arte, parece adecuado llamarlo para nuestros efectos una “experiencia visual”. Algo más allá de ver, es también sentir. El arte “trasciende lo narrado”, “crea problemas”.

En cambio, el diseño contradice todo lo anteriormente citado. El diseño es una ayuda extendida hacia el ser humano para sentirse más cómodo en su entorno. Es la herramienta de ese abigarrado pensamiento actual de que hay que facilitarlo todo. Quedan afuera las experiencias, los vuelos poéticos. El diseño, al revés del arte, soluciona problemas, es más, es esclavo de ellos. Es una práctica productiva que lo abarca todo, todo está diseñado: desde la estructura de una licuadora hasta la imagen de la caja en la que venía embalada.

Así como la pone Norberto Chaves, es una idea fácil de comprender. Al ver una caja de leche, en ningún momento pensamos “¡oh, pero que obra de arte más magnífica!”. Esa caja es diseño, así como la imagen de las cajas de cigarrillos Job de Alfons Mucha era diseño (aunque ahora se nos pueda ocurrir que sean obras de arte). Sólo hay que pensar al diseño como un conjunto totalitario, que incluya lo más frío y no sólo lo más apto para ser comparado. Es ese “síndrome Toulouse-Lautrec” al que Chaves se refería. Claro que ahora un poster de Toulouse-Lautrec nos puede parecer una obra de arte, pero no debemos olvidar que alguna vez estuvo anunciando los eventos nocturnos del Moulin Rouge, así como ahora se anuncian actividades sociales en cualquier pared de la ciudad.

La realidad: los diseñadores no son artistas. Aunque manejen muchas técnicas plásticas, en algunos casos con la misma maestría que sus compañeros que sí son artistas, ellos no lo son. Claro que eso pesa en el ego de muchos. El pobre diseñador agacha la cabeza y se resigna a ser diseñador. Pero, ¿es tan malo serlo? Es por eso que el diseñador es el mayor culpable de esa “enfermedad sin cura”. Porque no ha sabido poner los pies en el suelo y estar a gusto con su lugar. Se autosubordina, ignorando la “horizontalidad” actual, en la que cada cual tiene su labor sin que sea superior o inferior a ninguna otra. Y porqué no, así como Don Norberto es asesor de empresas en cuestión de imagen corporativa de día y poeta de noche, el diseñador puede ser esclavo del problema de día, y crearlos de noche.

Después de todo esto, ¿qué constituye el valor del diseñador? No creo que el diseño no sea una profesión, como dijera Don Norberto. Digo, si no ¿para qué vamos a una Universidad a estudiarla? Además, ser un diseñador competente hoy en día no es materia simple. Para que el diseñador no conteste las preguntas con respuestas habituales, tiene que tener las “alforjas llenas”. Cultivar su “coeficiente artístico” (idea manifestada por Duchamp en su “Acto creativo”) y su “coeficiente cultural” (si se puede llamar así). Es decir, nutrirse de cuanto conocimiento caiga en sus manos. Como dijo acertadamente Chaves, “si en su repertorio no hay más que cuatro colores, ¿cómo pretende pintar el arcoíris?”. Y ya, si su intención es hacer algo digno de ser llamado arte, puede utilizar ese “coeficiente artístico” sumado al “vuelo poético” que requiere una obra según Chaves, no para responder preguntas, sino para plantearlas.

Y cuando nos veamos tentados a empujar el diseño hacia el arte, sólo con pensar en la jeringuilla o en el micrófono podremos salir de dudas fácilmente.

Daniela Murillo Castro

Impresionismo

2009-04-01T17:10:00.000-07:00

El primer movimiento que tratamos en el curso fue el del Impresionismo. Describiéndolo inicialmente, cito la introducción de mi trabajo de investigación:

"El Impresionismo desafía la fácil definición. Pese a que ahora se refiere a uno de los movimientos de origen occidental más famosos, se originó como un término de abuso, aplicado a una exhibición de trabajos que parecían alarmantemente inacabados.

Este movimiento recoge, como cualquier otro, influencias anteriores a su momento y de las eventualidades de su sociedad. Anterior a ellos había estado el Realismo, cuya rebelión ante el Romanticismo los había entregado a la preocupación por la sociedad del aquel entonces. En ese tiempo hubo grandes avances tecnológicos que favorecieron los ideales que entonces desarrollarían los impresionistas.

Características como el estudio de la naturaleza por el contacto directo, el gusto por la vida cotidiana y moderna, la luz y la pincelada revolucionaria que desarrollaron van a hacer de este movimiento una gran contribución para la historia del arte, al cooperar con el rompimiento de lo establecido."

El trabajo constó de tres partes: Un trabajo escrito de investigación, una experimentación con las teorías del color y las gramáticas visuales y un proyecto final, el cual era un óleo aplicando alguna de las gramáticas visuales basándose en una escena seleccionada del jardín de la Escuela.

Primera parte: Trabajo de investigación

Para bajar el trabajo de investigación sobre el impresionismo, haga click aquí.

Segunda parte: Desarrollo práctico

En esta segunda parte, se realizaron dos ejercicios:

En este, vimos las posibilidades del color en el óleo, utilizando el círculo cromático. Además, se realizaron combinaciones de colores para realizar ciertos efectos visuales.

En este otro, realizamos un ejercicio para entender las gramáticas visuales características del impresionismo y el post-impresionismo.

Tercera parte: Resultado final

Para la tercera y última parte, se nos pidió seleccionar una gramática visual de las estudiadas y realizar una pintura de algún ambiente de los alrededores de la Escuela.

En lo personal, yo escogí la gramática utilizada por Vincent van Gogh: la asociación. Estudiando no solo su pincelada, sino también su vida, llegué a varias conclusiones las cuales llegaron a encausar mi trabajo. Le di más importancia al color y a la pincelada que a la forma en sí. En la pincelada de van Gogh se veía reflejado él mismo, así que mi intención era lograr eso de algún modo. Además de que el ambiente que escogí tiene cierto valor emotivo, el color de la Escuela de Artes Musicales me daba la posibilidad de utilizar colores diferentes a los del paisaje.

Futurismo

2009-01-20T10:04:00.000-08:00

"El 20 de febrero de 1909 se publica en el periódico francés Le Fígaro el primer manifiesto de una nueva tendencia que se autoproclamó como futurista. El autor de este documento fue el poeta italiano E T. Marinetti (1876-1944). De esta forma se inauguraba un nuevo ismo o movimiento artístico de inicios del siglo XX a través de un documento que expresa exaltadamente los nuevos tiempos en que el arte iría de la mano con la tecnología y el ritmo vertiginoso que las nuevas máquinas habían traído a la humanidad. Ya fuese el automóvil, el avión o la simple representación del cuerpo en movimiento, todo era un pretexto para ser representado de una forma plena de movimiento." Ana Mercedes Gonzalez Kreysa, Historia general del Arte: Tomo 2

Haga click aquí para bajar el trabajo de investigación.

Para ver mejor las imágenes, haga click sobre ellas para abrirlas en una nueva ventana.

Página de estudio - Concepciones iniciales sobre el futurismo

El lunes 16 de abril - el primer día que tratamos sobre el futurismo - se nos pidió que hiciéramos una página de estudio con nuestras percepciones iniciales sobre este movimiento. Las ideas básicas dadas fueron movimiento, representación, estilización, abstracción, máquina. En esta ocasión realizamos este trabajo entre Catalina Flores y yo.

Fotomontaje

Con las mismas ideas básicas, realizamos un fotomontaje de piezas industriales. En este caso se utilizaron texturas y objetos metálicos alusivos a la exaltación de la máquina.

Transformación pictórica

Copia mimética al óleo del fotomontaje realizado previamente.

Vista imaginaria de una ciudad futurista

Construida con cartón y restos de madera, es una ciudad de módulos tubulares, cuya atracción visual reside en la repetición de una misma figura dinámica a través del espacio.

Gramática visual futurista

El ejercicio fue realizado tomando fragmentos de obras futuristas (y una cubista) para comprender las diferentes gramáticas.

Niveles de iconicidad

Proyecto tridimensional futurista
Dinamismo de una sombrilla

En esta ocasión debimos recopilar todos los conocimientos adquiridos en la investigación y los ejercicios anteriores para desarrollar un proyecto tridimensional futurista. Entre las opciones a desarrollar existió la posibilidad de escoger como módulo un objeto simple. Escogí la sombrilla por su forma agradable y la simplicidad de sus módulos.

Primero tomé una serie de videos para entender realmente cómo se mueve una sombrilla con el viento y la gravedad. De este experimento salieron varios productos:

Procedente de las fotos, comencé a analizar el dinamismo de la sombrilla y con los módulos rectangulares construí el esqueleto inicial de la figura.

Seguidamente lo cubrí con pasta modeladora para darle grosor y durabilidad. Luego de balancear los pesos agregué los mangos de las sombrillas y cubrí con pintura dorada y negra la totalidad de la estructura.

Aplicación utilitaria

A raíz del estudio del movimiento de una sombrilla, realicé con los mismos módulos una figura en cobre. Esta figura representa una sombrilla abierta y cerrada, fragmentada y en movimiento. Para realizarla acudí a las técnicas de calado y pavonado aprendidas en el curso Taller de metal. El pavonado consiste en calentar con soplete la figura calada y doblada, introduciéndola rápidamente en el agua para enfriarla. Esto produce esa coloración singular, la cual se conserva por medio de un spray que le da el brillo.

Abstracto

2009-01-19T10:06:00.000-08:00

Experiencia grupal inicial

Experiencia grupal libre usando diversos pigmentos y herramientas.

Gramática visual

Indicaciones del ejercicio:

La gramática de visual de la abstracción recopila las experiencias formales de los movimientos más importantes. Tomar en cuenta los materiales de la primera clase de esta semana para realizar el ejercicio. El nivel de iconicidad es cero. 1. Irradación y vibración cromática: Arte optico. 2. Texturas: Tapies, arte matérico, arte povera. 3. Simetría dinámica: Vasarely 4. Transformación y crecimiento: Kandinsky, Pollock 5. Sistemas reticulares y modulares: Mondrian y Stella.

Investigación

Para bajar la investigación, haga click aquí.

Graffiti

Boceto inicial. Se creó una forma desde la palabra "Pàtô"... pato en francés, claro... No pregunten...

Para decidir los colores, decidimos escoger tres análogos usando el Color Schemer Designer, que se encuetra en esta página.

Avance del primer día: Marcar con carboncillo la línea para luego repasarla con pintura negra.

Tapas de las latas de los colores utilizados.

Sofaya y yo avanzando con el color!

Casi finalizando!

Firmando la obra! :D

Ta-daah! Trabajo finalizado!

Los Pátô (antes Peyote Pogs y Lophöfora) con su emblema!

Esta experiencia la disfruté mucho. Era algo que siempre había querido hacer y se me cumplió de una manera legal y sin riesgo! El resultado final me dejó muy satisfecha, se nota a leguas que todos los del grupo somos de diseño gráfico, verdad?

Site specific

Objetivo: pintura instalativa con materiales adhesivos apropiación del espacio natural: árboles o elementos naturales.

Como ese día había llovido, realizamos una intervención en un área de la clase. Nosotros escogimos parte de la pizarra, la pared, un par de sillas y el piso. La idea era que el Pátô saliera ramificado de la pizarra hacia los demás elementos, enlazándolos entre sí.

Sofaya trabajando

Site specific visto desde el suelo

Yo siendo parte del site specific!

Desarrollo de la bidimensionalidad a partir de los conceptos del diseño

"Leyes compositivas y cromáticas. 4 Propuestas de abstracción aplicando principios de relación. Enviar el documento. L4 Témpera o pintura experimental."

Proyectos

Aplicación al diseño

Haga click en la imagen para ampliar.

Escultura abstracta

Basé el diseño de mi escultura sobre estas dos referencias: el movil estable de Alexander Calder y uno de los posters mostrados en la exposición 300% Spanish Design.

Para ver la metodología proyectual completa, haga click aquí.

Acantilado con pétalos y cascadas amarillas –
Alexander Calder – 1974 – Davlyn Gallery

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Champú Sindo – Autor desconocido –
1976 – Colección Marc Martí

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Maga 9

Es bella, verdad?
Tiene mucha personalidad... Casi podría decir que está viva, porque ella se mueve como quiere, cuando quiere. Siempre se acomoda de diferentes maneras. Sonríanle a Maga 9 :)